Otras miradas: un paseo por la ciudad

Gordon Matta-clark

Siempre me han atraido esas miradas de la ciudad que te hacen pensar sobre ella, que te sorprenden y enfrentan con ella, que te muestran espacios inéditos a pesar de haber estado siempre ahí o que, simplemente, nunca han existido.
Me gusta ver la ciudad a través del tiempo, con sus personajes o vacía, pero siempre desde otros ojos que me permitan descubrir esos matices que, hasta entonces, estaban ocultos para mi.

Entre estas miradas se encuentran las de Gordon Matta-clark (foto incial)

Sus obras efímeras, sus anarquitecturas, inspiradas en la idea de transformación de la materia, otorgaban una "segunda vida" a edificios condenados a la demolición, mostrándonos sus entrañas, abriéndolos a la luz. Una vida de la que sólo quedaría el recuerdo plasmado en fotografías sacadas por el mismo Matta-Clark.

Vicente Jarque explica que la intención de Matta-Clark tenía que ver con un esfuerzo de rehabilitación ciudadana, por mediación del arte, de espacios urbanos degradados y, por tanto, perdidos para el buen uso público.

Gordon Matta-Clark. Day's end. 1975.

La espectacularidad que Matta-Clark lograba con una sola apertura de ese amplio agujero en la fachada, el juego con la luz que de pronto inundaba el interior de aquella estructura, hizo -según palabras de Vicente Jarque- que algunos calificaran la obra como evocativa de una especie de "catedral".

Gordon Matta-Clark dominaba, a nivel arquitectónico, la destreza de crear y reciclar, nuevos espacios mediante la técnica de elimininación de algunas partes de los elementos básicos que conformaban sus obras como puedan ser las paredes, tejados o pisos.

A su vez, la mirada de la artista británica Rachel Whiteread me sorprendió por los espacios, los vacíos que crea con sus esculturas, mostrando la influencia de estos en la experimentación de nuestro entorno.

Rachel Whiteread. ‘Embankment’. Tate 2005-2006.

Pasear por sus escultura (porque realmente nos introducimos en ella) es como meterse de lleno en esos planos urbanos en negativo que dibujamos para ver bien la estructura urbana, sus calles y plazas. Son calles fantasmas a las que el contenido de sus bloques se los tenemos que añadir nosotros, saliendo este de nuestra memoria dormida.

En el caso de Embanket, presentado en la Tate unos años atras, resultan estar literalmente formados por recuerdos, siendo el molde de los bloques que conforman esa ciudad de hielo el contenido de la caja donde la madre de Rachel guardaba los adornos de navidad: Cuando la madre de Rachel murió, su hija encontró una vieja caja de cartón entre sus pertenencias. Ella la recordaba muy bien, la recordaba por que en ella guardaba los adornos navideños, entonces estaba al lado del cajón de los juguetes y de los juegos de mesa apilados. Después sus bordes se comenzaron a romper y los logotipos que la cubrían comenzaron a desvanecerse y la tapa comenzó a brillar con todas las cintas adhesivas sucesivamente usadas para envolverla a lo largo de los años. Después Rachel se marchó de casa y su vida cubrió y volvió a cubrir ese recuerdo, hasta ocultarlo completamente. (El artículo completo escrito por Mariano de Blas Ortega para la revista digital ArtesHoy se puede leer aquí. Un artículo precioso, por cierto)

Más allá del recuerdo de la autora la historia nos introduce de lleno en todas esas "cajas" que forman la ciudad, sus historias, vivencias y recuerdos individuales que muchas veces creemos descubrir al mirar por la noche los bloques masivos de viviendas en los que se desarrolla la vida de sus ocupantes y que, de forma voyerista, por un momento nos permiten echar un vistazo en ella antes de cerrar las cortinas. Algo así como en la película de Alfred Hitchcock "La ventana indiscreta".

Estas vivencias individuales de la ciudad se pueden descubrir igualmente en los videos de Sarah Morris.

Sara Morris. Miami, instalación de video.

En su instalación de video Miami, Morris nos lleva de paseo por esta ciudad a través de escenas urbanas, desde un paseo en coche por sus avenidas hasta el interior de unas oficinas. Escenas en las que el punto de foco nos deja ver claramente lo que sucede en un lugar específico, volviéndose borroso todo aquello que se aleja de él. Esto logra que se dé importacia y nos fijemos, casi inadvertidamente, en lo que la artista nos quiere mostrar. Así vemos como un grupo de señoras entradas en años disfrutan de una taza de café alrededor de una mesa, enfocándose y desenfocándose ligeramente la camarera y otros clientes cada vez que pasan por delante de ellas.

Este video me trajo a la memoria una escena en la que deseé haber tenido la camara en mano en ese momento. Escena de la que estaba disfrutando tanto que no quise interrumpir -para buscar la cámara de video que Juan llevaba consigo- por miedo a que se terminase y que me quedó en mente como "proyecto pendiente".
Estando en Buenos Aires, después de haber visitado a unos amigos antes de tener que ir a tomar el avión de vuelta al "viejo continente", tomamos un taxi para ir a Etzeiza cuando comenzaba a anochecer. En el trayecto desde la casa de nuestros amigos hasta el aeropuerto me quedé embelesada mirando por la ventanilla.
Nuestro taxi nos estaba conduciendo por una calle flanqueada por bloques de apartamentos en los que las luces de sus entradas ya se habían encendido mostrándonos una serie espectacular: Los porteros de cada bloque (personaje indispensable en el paisaje urbano de la ciudad) se sucedían con el paso del taxi dejándonos ver cúbiculos acristalados e iluminados en los que uno leía el periódico, otro veía una tv diminuta sobre su escritorio, un poco más adelante había uno que había salido a la calle para fumarse un cigarrillo mientras el de al lado le habría la puesta displicente a un inquilino... todo esto enmarcado por la ventanilla del taxi y a una velocidad constante.

Pero volviendo a Whiteread quien en vez de cajas transparentes nos muestra, a demás de esa colección de almas de ciudad, la "dura realidad" de la vivienda olvidada, casi podríamos decir de suburbio inglés, a través de cajas macizas y opacas como en su obra House.

Rachel Whitereas. House, 1993. Yeso y aluminio.

Una obra en la que se nos presenta la vivienda desde su interior, ya que ha sido ésta la que ha sido utilizada como molde, pero que a su vez nos impide su entrada, su visión completa. Tan sólo nos deja percibir lo que ocurre en ella, mostrándonosla como algo tosco, sin pulir. Imagen que me hace pensar inevitablemente en todos aquellos suburbios de ciudades que parecen repetirse interminablemente estemos donde estemos y tengan la forma que tengan. Una vivienda, una vida interior que podría repetirse por decenas, por centenas.

O más confrontador todavía: Thomas Hirschhorn, quien nos deja ver en su obra la sociedad de desechos, en todos los sentidos, en la que nos encontramos. Como escribe Francisco Javier San Martín (Arte y Parte. Nr 59, nov-dic 2005): Estas son las instalaciones de Hirschhorn, lugares de deriva, de acumulación y desorden, radicalmente alejadas de cualquier complacencia de lo bello, lugares sin composición, sin "armonía".

Thomas Hirschhorn. Jumbo Spoons and Big Cake. 2000.

La obra de este artista suizo nos muestra tambien esos "sin lugar" de las ciudades, una realidad a la que queremos huir cuando mostramos nuestros entornos urbanos o proyectos en revistas a todo color, Lugares marginales de los que sólo hacemos eco en momentos puntuales, una parte de la ciudad que dejamos de lado, como si de un tumor se tratase, pero que sigue allí y que ya forma parte definitiva de ella.
Lo que nos trae las palabras de Zymunt Bauman (Vidas desperdiciadas. La modernidad y sus parias. Paidós 2005-2006) a la memoria: La producción de "residuos humanos" -o, para ser más precisos, las poblaciones "superfluas" de emigrantes, refugiados y demás parias- es una consequiencia inevitable de la modernización. Y también se trata de un ineludible efecto secundario del progreso económico y la búsqueda del orden, característicos de la modernidad.

Terminaremos el recorrido de la mano del pintor y fotógrafo norteamericano Saul Leiter.

Saul Leiter. Sin título. Nueva York. 1960.

Quien se dedicó a fotografiar en los años ´60-´70 las calles de Nueva York en color. Idea disparatada en ese momento en que la fotografía se realizaba en blanco y negro, no por limitaciones técnicas sino porque el color se consideraba "ordinario" para la fotografía, dando este un aspecto "irreal" a las imágenes.
Leiter ha sabido captar una imagen de la sociedad urbana que ya pocas veces se ve: sus personajes aunque aislados en su mundo establecen una relación íntima con lo que los rodea de tal manera que parecen "tener" que estar ahí, son parte de la ciudad.
Unos personajes que, al igual que en el trabajo de Rachel Whiteread, nos dejan intuir lo que sucede o puede suceder en la ciudad. Las fotos, de composición realmente bella, nos muestran la actividad del día a día en la Nueva York de los años '60.

Este ha sido mi paseo personal por una ciudad -imaginaria o real, ¿quién dirá?- vista a través de otros ojos, un paseo que me permite verla cada vez desde otra perspectiva y que me deja jugar con ella, con sus escalas, con sus tiempos y significados, siempre abierta a nuevas impresiones.

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La vivienda en Holanda (2): la situación social a vista de pájaro

Joel-Peter Witkin. Las Meninas (1987)

Continuando con el tema de la situación de la vivienda quería introducirme un poco más en las circunstancias que se están dando en Holanda y el significado que estas tienen en el ámbito de la vivienda.

La situación de la vivienda (corporativa) forma parte de la linea que está siguiendo la política holandesa de pasar de ser un "estado del bienestar", en el que el gobierno central cuidaba de sus súbditos, a una política de mercado libre o participativa, como la llaman los políticos. Poco a poco han ido desapareciendo los subsidios sociales, si antes uno podía contar con apoyo económico del estado en el momento en que perdía su trabajo o quedaba discapacitado ahora se parte de la idea de que todo aquel que pueda trabajar de de hacerlo sin importar de qué. En el caso de los discapacitados, si uno está considerado discapacitado en un 40%, por ejemplo, se le exige que encuentre un trabajo en el que pueda ejercer el restante 60% en el que no está discapacitado.

En un país en el que hasta hace unos años cualquier desavenencia del destino se solucionaba a base de subsidios, las nuevas medidas están acarreando problemas a las personas entre los 40 y 65 que no disponen de medios para vivir riantemente. Estas personas, que no han crecido con la idea de que tenian que cuidar de sí mismas, ya que el estado se encargaba de eso se ven de repente abandonadas a su suerte: el trabajo de por vida ya no existe.

En este momento se está discutiendo la introducción de una nueva ley que permita a las empresas despedir más facilmente a sus empleados sin tener que darles una indemnización basada en sus años de servicio. Para estas generaciones, que hasta ahora con la ley de protección al trabajador tenían prácticamente el trabajo de por vida asegurado, el ser despedidos significaría el tener que ponerse a buscar de nuevo trabajo a una edad en la que no es facil encontrarlo por mucha experiencia que se tenga ya que junto a ella van acoplados unos costos elevados que no todas empresas estan dispuestas a pagar.

Actualmente la imagen laboral ideal está basada en la flexibilidad, lo que significa que, tengas una educación alta o baja, tienes que estar en un estado de aprendizaje continuo, acorde con las necesidades del mercado, para evitar que tu valor de mercado descienda, tal y como indica el catédratico de empresa Marc Leijendekker. Las empresas prefieren gente joven en aprendizaje a gente mayor con experiencia. La era del interés colectivo se ha visto sustituida por la del interés individual.

Otro tanto de lo mismo está sucediendo en el sector del arte, tema en el que ya hablé en parte en el post "arte subsidiado". En Holanda el mundo del arte estaba hasta tal punto subsidiado que todos aquellos que habían estudiado Bellas Artes sabían que podían contar con un salario mínimo una vez terminados los estudios aunque prácticamente no "produjesen" nada una vez metidos dentro del mundo laboral. La teoría tras este subsidio era que el arte se vería beneficiado en el momento en que el artista no tuviese problemas económicos a los que desviar su atención.
Teatros, museos y galerías eran subsidiados hasta en los salarios que había que pagar a los empleados, la consecuencia era una institucionalización del mundo del arte en el que no había espacio para alternativas por oponerse éstas al ya existente sistema oficial.

En este contexto siempre nos ha llamado la atención a Juan y mi el ver como en los paises latinoamericanos -y más concretamenten en Argentina (que es lo que mejor conocemos)- en los que a falta de organismos oficiales que financien el arte y faciliten su entrada a jóvenes artistas, surje la necesidad de trabajar conjuntamente, intercambiando ideas y creando nuevos espacios de encuentro que se sitúan fuera del sistema oficial y que, quizás más tarde, sean absorvidos de nuevo por este. Pero lo que es claro es que de esta necesidad nacen iniciativas artísticas que no se encuentran aquí en Holanda ya que, hasta hoy, no hay espacio para ellas ni opotunidades para que surjan.

Pero la situación ha cambiado y los subsidios se están retirando, lo que ha hecho que museos y escuelas de arte giren los ojos hacia las empresas privadas en busca de patrocinadores. El éxito o importancia de los museos ya no se cuenta por sus obras, exposiciones o investigaciones sino por la cantidad de visitantes que tienen al año.

Museos como el Stedelijk de Amsterdam (ver post anterior "arquitectura versus costos") tienen como socio un banco, el ABN-bank, y una marca de coches (Audi) como patrocinador de las exposiciones, lo que esto significará para el museo en sí no es todavía conocido, de momento no parece desarrollar un nuevo modelo de exposición o de percepción de las obras, ni que en él se vaya a introducir la nueva media como parte del arte contemporaneo.
Para los artistas de a pié, para los desconocidos, significa que van a tener que ponerse a desarrollar un trabajo propio, comercial, con un buen portafolio para poder seguir recibiendo subsidios o, en el mejor de los casos, poder acceder al Prix de Rome.

¿Y para la vivienda? El cómo ha influidoo el paso de un "estado del bienestar" al del mercado libre ya lo comenté en lineas generales en un primer post, en un tercero me meteré más en el caso concreto de la vivienda actual, tema sobre el que desarrollamos una exposición el pasado diciembre en Argentina.

Arte subsidiado

Giulano de Medici

Gabriele Finaldi, director adjunto del museo del Padro, decía en una entrevista publicada en Arte y Parte que España es el país que cuenta con más pequeñas galerías y museos de toda Europa.

Yo, sinceramente, no sé como es el tema de "ser artista" en España ni cómo incide esto en el hecho de que haya tanta galería expositora. Pero si miro a Holanda -país en el que se ha desarrollado un estado del bienestar o, literalmente, un "estado de cuidado" (zorgstaat) en que el gobierno cuida, o cuidaba, de sus ciudadanos en el sentido más amplio de la palabra- resulta que el ser artista te da ya de por sí el derecho a un salario mínimo en forma de subsidio, eso sí, para ello hay que tener acabada la carrera de bellas artes o una amplia experiencia dentro del mundo artístico.
Se supone que con este subsidio el artista tiene más tiempo para desarrollar sus obras material, intelectual e incluso, ¿por qué no?, filosóficamente sin tener que recaer en preocupaciones tan mundanas como la de ganarse un salario para poder sobrevivir.
Lo que en teoría debía de ser la "solución ideal" para el desarrollo artístico holandés, en la práctica parece no dar mucho resultado. La opinión general es que el arte holandés actual no es tan innovador como cabría esperar, siendo "innovación" la palabra clave que parece determinar en este momento el grado de éxito obtenido o no dentro del mundo del arte y, sobre todo, en el del diseño y la arquitectura (fuera de la discusión de si se les puede llamar también arte).
Aunque siempre hay excepciones, como lo puedan ser los films de Saskia Olde Wolbers o, de forma más clásica, las obras de Arjan van Helmond entre otros, no deja de ser curioso que la mayor parte de los críticos sea de esta opinión culpando al sistema holandés de sostener económicamente a los artistas sin "motivarlos a crear" a menos que reciban subsidio por ello.

El artista inglés Chris Evas proponía hace poco en el Stedelijk Buro de Amsterdam a sus colegas holandeses, a través de un film hecho para la ocasión, que participaran en un workshop de tres meses de duranción para desarrollar diferentes ideas dentro de la pintura, la escultura, etc. Eso sí, de entrada decía que este workshop no estaba subsidiado y se preguntaba cuántos artistas se apuntarían a él (yo también). Curiosamente el film que él había realizado como crítica al sistema de subsidios holandés estaba "patrocinado" por tres firmas culturales, dos de ellas holandesas.

Otro punto es el caso que se está dando en Berlín, donde empresas están alquilando ateliers para artistas a precios mínimos, comercializando de esta manera el movimiento artístico "underground" tan representativo de Berlín, en el que, después de la caida del muro, artistas faltos de dinero ocupaban edificios vacíos del Berlín oriental para utilizarlos como ateliers y desarrollar eventos. Lo que me hacer recordar que hace poco se abrió una galería en Amsterdam que tenía como base "crear arte" a partir de productos industriales y ofrecer sus ideas a diferentes firmas para los subsidiaran. Una de sus obras fue diseñar un mueble de cocina en el que el material no era ni madera ni plástico, sino azucar morena de la refinería X.

Para ir finalizando: en un artículo de la revista holandesa de arte contemporaneo Metropolis M se comentaba que tanto en París como Londres o Nueva York son las galerías de arte las que determinan quién tiene éxito o no y, en consecuencia, qué es arte o no, destacando Viena como capital del arte no comercial (con lo cual le pone ya una estampa haciéndolo comercial).

Todo esto me ha llevado a preguntarme en muchas ocasiones si en este momento se puede hablar facilmente del "valor" del arte sin nombrar un precio.

Atrapada por la imagen...

Evru: Volda 2005. Fotografía digital, 200x90cm

EVRU
"Oficina de Flujos"
El Estado de Evrugo os ofrece la residencia a cambio de desnudaros y verstiros con prendas diseñadas por...

A esta imagen y este texto pegado en ella en la contratapa de la revista "Arte y Parte"(nr.61) me quedé pegada... y junto a mí los numerosos pasajeros del metro 53 que me acompañaban en el trayecto (me gusta leer en el metro o tranvía). Me sorprendían (o en realidad no tanto) en cada viaje los ojos fijos en la cubierta, absorviendo los colores, la composición, la sugerencia... -¿o sería el erotismo?- de la foto. Otros, mas pudorosos, apartaban la mirada de esa "obscenidad" con un ligero color en sus mejillas sin poder evitar el echarle una mirada de reojo de vez en cuando hasta que, comidos por el remordimiento, cambiaban de asiento. He pasado viajes enteros, de camino o vuelta al/del trabajo, sin poder leer una palabra, observando a mis compañeros de viaje por encima del borde de la revista mientras ellos observaban, a su vez, la imagen.

¿Y quién o qué es Evru? Según su página web (pincha aquí) no se habla de Evru,se habla de un "estado mental evrugo" y en ella se nos explica exáctamente qué es eso. "Arte y Parte" lo aclara mejor: a Albert Porta (Barcelona, 1946), ingresado en un frenopático por "disturbios anticulturales", un esquezofrénico le reveló un día de 1968 su nuevo nombre: "Desde ahora, te llamarás Zush". Y así se le conoció entre 1969 y 2000, cuando decidió volver a cambiarlo por el de Evru, idntificando su persona de manera completa y nominal con el del estado imaginario creado con aquel primer "bautizo": Evrugo Mental State.

Los "disturbios anticulturales" se me quedan flotando en el pensamiento y, volviendo los ojos al borde de la revista para captar esos otros ojos fijos en la imagen, sentados frente a mi, me siento por un momento como una "exhibicionista vestida".

Espacios (in)habitados

La Espera, Eulália Valldosera

Gracias a la revista "Arte y Parte" descubrí a Eulália Valldosera, artista catalana que a comienzos de los ´90 llegó a Amsterdam con una beca para continuar sus estudios en la Rietveld Academie.

En el artículo que Francisco Javier San Martín le dedica en ésta revista (nr.31), titulado "El cuerpo recuerda", describe su trabajo de la siguiente manera:

(...)Los límites de la casa, la construcción como vivencia y experiencia en las tareas que la recorren, los momentos perdidos, las tareas monótonas, la limpieza, el trabajo que se realiza cada día pero que no se acumula, ya que su finalidad es que todo quede como al principio.

Éstos y otros fueron los argumentos que la artista desarrolló en los primeros años noventa. Asimismo los objetos que se encuentran en la casa y el cuerpo que los maneja. Los objetos y el cuerpo en un interior. Relación de cada uno de los objetos con el cuerpo: correspondencia, a la manera de Baudelaire, de las cosas de la vida con otras tantas partes del cuerpo, con los sentidos que piensan y maquinan. También, a la manera medieval -a modo de emblema- las correspondencias de un sistema biológico, abierto, con otro inerte, duro y simbólico. La relación del cuerpo con la casa y a través de ella, la visión femenina, sobre su existencia ensimismada: autoexploración, autoconocimiento. El melic del món. (...)

Ésto, y la visita que realizamos el domingo pasado al FOAM donde Marrigje de Maar exponía una serie de fotografías de interiores de viviendas en China (y otra serie realizada en el oeste de Finlandia, 2003), me hizo detenerme a pensar sobre nuestra relación en el espacio con los objetos que nos rodean.

De Maar decía en la introducción a su exposición que "el interior delata la personalidad de sus habitantes", esto es algo que se ha escuchado y leído ya tantas veces que no nos paramos a pensar en ello. Sin embargo, al estar ahí, de pié, frente a sus fotografías de pequeños interiores desordenados (desordenados para mi, para su inquilo tendrían un orden indiscutible que a mi se me escapaba), llenos de objetos a los que no les encontraba diferencia ni referencia entre una fotografía y otra; me dí cuenta de que para poder destilar sus personalidades necesitaba conocer ese entorno.

Resultó que para mí todas esas habitanciones eran tan iguales como para nuestra amiga Virginia las caras de los habitantes de Uagadugu (capital de Burkina Faso, país centro africano), ciudad a la que se ha ido a trabajar por dos años. En una conversación que tuvimos con ella nos decía que al principio le parecían todos iguales, no podía distinguir sus rasgos porque no estaba acostumbrada a sus caras, y a ellos les pasaba lo mismo: todas las caras blancas eran iguales.

Esa sensación tuve pues mientras observaba esas fotografías, me faltaba información para poder descifrarlas.

Las fotografías de Valldosera añadían además otro dato: el tiempo. Pero como vuelve a decir Francisco Javier San Martín "(...) no tanto la duración, ese tiempo científico de un acontecimiento que discurre de A a B, sino el tiempo confuso, enmarañado e intangible de lo que aún no ha ocurrido o lo que está por suceder."

En sus fotografías e instalaciones podía suponer lo que había pasado o podría suceder, en la de Marrigje no (y no sólo por ser tan estáticas en comparación con las de Valldosera, mi conocimiento no da para tratar de la composición fotográfica), quizás lo podía intuir... pero, ¿no estaría occidentalizando esos espacios, y por tanto sus usos y las relaciones con los objetos, en mis pensamientos?

Por supuesto, hay actos -como en la instalación de La espera- en la que su insinuación no está sujeta a una cultura determinada, es algo que puede ocurrir tanto en un interior chino como en uno finlandés, español u holandés; pero su entorno, los objetos, el espacio, nos cuentan tanto más como el acto de espera en sí mismo.

Y es esa relación consciente o inconsciente, tan ligada a una cultura o entorno, la que me dejó impresionada y con la necesidad de profundizar un poco más en ella, veremos que sale de esto...

Movimientos (sub)urbanos

Siempre me llama la atención cuando leo algo sobre las "subculturas" de la ciudad, ¿cúando hablamos de cultura y cúando de subcultura?. La lectura de hoy trataba sobre la "subcultura como generador de actividades urbanas", entendiéndose por subcultura el movimiento artístico de artistas instalados en zonas industriales y marginadas de la ciudad.

Pero oh sorpresa! resulta que estos asentamientos son vistos ahora como el indicador de zonas comerciales e inmobiliarias potenciales, si, como lo oís, parece ser que después de varios años de que la mayoría de la gente ya se hubiese dado cuenta de que las actividades culturales y artesanales de estos ocupantes alternativos son una atracción para un público muy amplio, los ayuntamientos y organizaciones comerciales han descubierto una mina de oro en ellos.

No se puede negar que muchas actividades realizadas por estos grupos, en muchas ocasiones, resultan mucho mejor que cualquiera hecha con un gran apoyo económico, suelen ser mucho más creativas y el entusiasmo se ve reflejado en sus obras. Hasta aquí bien... pero entonces, una vez que se reconoce el valor de estos grupos artísticos porqué no se les da una ayuda para poder desarrollarse decentemente sin que tengan que buscarse otro lugar con un alquiler más barato una vez descubiertos y explotada la zona donde estaban ubicacos por yupies y tiendas de marca como ha sido el caso en Berlín-Mitte y el KNSM-eiland en Amsterdam? Sobre todo si se piensa que han sido ellos los que las han hecho atractivas al público, cosa que hasta el momento no habían conseguido ni ayuntamientos ni empresas, y seguramente ni se les había ocurrido.

Pero parece se que ahora se les ha encendido la luz a los ayuntamientos y agrupaciones comerciales y han visto una fuente de ingresos en este tipo de actividades "subculturales" (se entiende que sólo se vuelven culturales cuando hay dinero de por medio). Urban Catalyst project se llama la investigación internacional realizada sobre este tipo de asentamientos temporales que son vistos como catalizadores, ya que según Lethovuori (uno de los investigadores de Helsinki) esta ocupación temporal deja ver las zonas marginales de la ciudad desde otra perspectiva y le da otra utilización que la industrial. Lo interesante de el estudio es la importancia que le dan a las actividades temporales, dejando bien claro éste último término, indicando la importancia de la transformación de determinadas zonas de la ciudad y señalando la importancia del movimiento de las comunidades alternativas o suburbanas.

En Amsterdam, después de haberse leído de cabo a rabo la investigación, han decidido dedicar la zona industrial del norte de la ciudad a actividades culturales y crear un "pueblo de artistas" a ejemplo del Christiania en Dinamarca o PS.I en Nueva York.

Paradójicamente ya existía un pueblo similar junto a Amsterdam, Ruigoord, que si no ha sido ya eliminado lo será dentro de poco ya que han decidido que la zona donde se encuentra tiene que ser zona industrial (de locos, ¿no?). Recuerdo que estando en la facultad hicimos un workshop sobre la forma de defender y desarrollar el pueblo ante este ataque industrial, presentamos el proyecto en la iglesia que habían convertido en bar mientras la gente iba entrando y saliendo, se fumaban un porrito y nos preguntaban varias veces lo mismo (no se si por el porro o porque se habían perdido la respuesta cuando se habían ido a dar una vuelta para volver más tarde).
Torre de babel diseñada por los artistas de Ruigoord a la que el día de Año Nuevo le prenden fuego

Una de las razones de que ofrezcan esta zona (Amsterdam Noord) a artistas es que con la realización de viviendas para yupies en edificaciones ocupadas, una vez eliminados los inquilinos anteriores (osea, los okupas) podrían instalarse en ella al ir en busca de nuevo alojamiento, lo que porsupuesto no le interesa ni al ayuntamiento ni a las empresas dueñas de estos almacenes abandonados. Así que la solución más facil es ofrecerselos por un precio barato a grupos de artistas en busca de vivienda y ateliers que además con el tiempo revalorizarán la zona.

El peligro está en que una vez burocratizado el mundo artístico (entran en el laberinto de los subsidios y el derecho o no a instalarse donde se les indique) pueda perder gran parte de la creatividad y libertad que lo caracteriza para convertirse en una tuerca más del sistema, que apesar de beneficiarlo obtiene muy poco acambio. Esperemos que la forma expontanea con que se formaban estos centros (sub)culturales mutando partes olvidadas de la ciudad no pase a ser un párrafo más en el planeamiento urbano a largo plazo tan típico de las ciudades holandesas.

Ya veremos en que acaba una vez más esta obsesión compulsiva de las instancias holandesas deintentar controlar hasta lo incontrolable.